Om gyserfilmens væsen – en tur i spejlsalen

I sjælen er gyserfilmen, i begrebets videste forstand, en mærkværdig størrelse. Man kunne måske endda gå så langt som at kalde den ulogisk. For hvad søger den at lære os andet end at finde nydelse i netop det, vi skræmmes af? I vores frygt? Frygten, denne oldgamle, dyriske mekanisme, som fortæller os om fare og søger at skærme os for ulykke.

Gyserfilmen er et frygtens medie, en katalysator, som ved hjælp af nøje udtænkte strategier forleder hjernen til at aktivere en række fysiologiske processer, der knytter sig til frygten og tjener som kroppens advarselssignaler, hvorved adrenalin pumpes ud i blodet og hjerteaktivteten øges. Men den gør det ikke for, at vi skal vende os bort fra den og tage afstand. Tværtimod vil den have os til at kigge videre, til at reagere negativt på frygttilstanden og dens signaler, og selvom det, i sidste instans, gør det at se gyserfilm til en ulogisk disciplin, idet vi tilskyndes til at lade os opsluge af frygten snarere end at undgå den, så er det netop her, i denne udnyttelse af vores frygt, at gyserfilmens eksistensberettigelse skal findes.

I koncentrerede, kontrollerede doser besidder frygten nemlig et nærmest narkotisk potentiale. Hvem har ikke, på eller andet tidspunkt i deres liv, været faretruende tæt på at komme galt afsted for så, i øjeblikket inden ulykken indtræffer, at slippe med skrækken og liv og lemmer i behold? Denne oplevelse, at slippe med skrækken, er en følelse af livsbekræftende lettelse – hjertet banker, håndfladerne er klamme, og man kan mærke livet (hjulpet godt på vej af adrenalinen) strømme igennem kroppen på en helt anden og meget mere intens måde end før. Nogle søger denne oplevelse bevidst, hvilket forklarer hvorfor man fx vælger at kaste sig ud fra en bro med en elastik om anklerne, og det er således ikke for ingenting, at man snakker om ”adrenalinjunkier”, idet den motiverende faktor for ekstremsportsentusiaster som bungeejumpere netop er tanken om den adrenalinrus, der kan opnås ved først at fremprovokere for herefter at trodse sin frygt.

På samme vis søger gyserentusiasten den narkotiske oplevelse, om end i noget mindre målestok, som adrenalinen kan give. I princippet er der derfor meget lidt forskel på en handling som bungeejumping og på det at se gyserfilm. Sidstnævnte sker ganske vist ikke med livet som indsats, indrømmet, men rationalet bag begge handlinger, altså ønsket om at opsøge, pirre og trodse frygten for herigennem at bruge den som indgangen til et sus, hvor stort eller lille det så end måtte være, er identisk i alle væsentlige henseender.

Med tanke herfor kan det måske undre, at gyserfilmen har et så blakket ry som er tilfældet. Grunden hertil skal muligvis findes i gyserfilmens natur.

Gyserfilmen har til alle tider været en outsider i filmindustrien, særlingen som de andre i klassen ikke bryder sig synderligt om, fordi de finder ham forkvaklet og perfid, men alligevel er nødt til at tolerere, fordi han, som en anden alkymist, kan spinde guld på næsten ingenting. En outsider bl.a. på grund af et anstrengt forhold til autoriteter – i form moralske forskrifter, tabuer og lignende – som den, på klassisk bad boy-facon, kun modvilligt lader sig begrænse af. Stort set intet, hvis noget overhovedet, er helligt for gyserfilmen, mindst af alt det menneskelige legeme, og den har derfor mulighed for at gøre og vise ting, som andre film ikke kan, vil eller, i det mindste, har svært ved at håndtere.

I gyserfilmen er det ubehagelige allestedsnærværende, omnipotent og nådeløst, både hvad stemning og æstetik angår. Vil gyserfilmen vise død, så gør den det – og gerne i udpenslede scener, fordi den kan og tør. Når den vil skræmme, søger den at gøre det, så det ikke er til at bære. Gyserfilmen ønsker at nedbryde seeren ved hjælp af frygten for at illustrere, hvor svagt og let knækkeligt mennesket i virkeligheden er, både på skærmen, hvor karaktererne må gå så grueligt meget igennem, men også, og endnu vigtigere, hjemme i sofaen, hvor den kan få en til at sidde og krybe sammen bag en pude, skrue ned for lyden og holde fingrene for øjnene.

Med selvkontrollen således undermineret, spejles man i sig selv som en kryster; en ikke ubetinget positiv oplevelse, som muligvis kan forklare, hvorfor mange er tilbageholdne over for gyserfilmen. Men det er netop også her, at udfordringen ligger for os som seere, for i stedet for at lade sig trampe under fode og feje gyserfilmen ind under gulvtæppet, fordi man måske kan have svært ved at erkende, at man har nogle svage sider, vil der være meget at vinde ved at prøve at vende gyserfilmen til egen fordel. Ved at kaste sig hovedkulds ind i frygten for at lære den at kende og overvinde den – lige som når man står på kanten af broen med elastikken på anklerne og kigger ned i afgrunden, inden man foretager hoppet over alle hop.

”Hvad der ikke slår dig ihjel, vil blot gøre dig stærkere”, lyder et ordsprog, som på trods af dets fortærskethed er værd at hive frem her. For gyserfilmen kan ikke slå dig ihjel, lige meget hvor meget den så end prøver, og der er derfor ikke nogen grund til at lade sig køre ned af den. Snarere tværtimod. For hvis man vil og giver den lov, kan gyserfilmen tage en med på et vildt ridt ud i de dystre følelsers landskab – en tur der vil få blodet og adrenalinen til at strømme gennem kroppen og som, når man når ud på den anden side i god behold, lader en mærke noget, man alt for ofte glemmer … at man er i live.

 

 

 

Final Destination 5 (2011)

Final Destination 5
USA, 2011
Instr.: Steven Quale
Medv.: Nicholas D’Agosto, Emma Bell m.fl.
92 min.

En ung fyr ved navn Sam (Nicholas D’Agosto) skal på tur med sine kollegaer, vist nok noget teambuildinghalløj, og er så (u)heldig at få et clairvoyantisk syn, hvori han oplever sig selv og sine venner dø i en voldsom ulykke på en bro. Synet får han umiddelbart inden ulykken virkelig indtræffer, hvilket giver ham og syv andre lige akkurat tid nok til at løbe ud af deres bus og flygte i sikkerhed på fast grund. Ligesom i de fire tidligere indslag i serien var det selvfølgelig meningen, at de otte skulle være døde i ulykken. Deres endeligt stod skrevet i stjernerne og var henlagt til lige præcis denne dag på lige præcis dette sted på lige præcis dette tidspunkt, men takket være Sams klarsyn, lykkedes det altså de unge mennesker at stikke en kæp i det store skæbnehjul og snyde selveste Døden.

Sådan noget skaber selvsagt uorden i både universet og tiden, så Døden får nu travlt med udbedre skaderne, hvilket kun kan ske ved, at de otte overlevende indfanges og slås ihjel, så de kan indtage deres behørige plads i dødsriget. Som den mystiske ligsynsmand Bludworth (Tony ”Candyman” Todd) forklarer i en scene: ”You changed things on that bridge – it’s a wrinkle in reality, and that wrinkle is you.”

Final Destination 5 (2011) er, hvad kendere af serien allerede nu vil have indset, altså mere af det vi fik serveret i de første fire film. Vi præsenteres ganske vist for en smule nyt, f.eks. kan de overlevende hver især vælge at slå et andet menneske ihjel for herved redde sig selv (Døden får en sjæl, og regnskabet passer nogenlunde), men overordnet set skorter det kraftigt på narrativ innovation. På trods af at ideen om nogle unge mennesker, der snyder døden for herefter at blive jaget af og slået ihjel af denne egentlig er meget sjov, så er det tydeligt, at den ikke holder til at blive strukket ud over fem film, som det her er tilfældet. Hvis der på noget tidspunkt overhovedet har været bare antydningen af en smule handlingsmæssig tyngde i en Final Destination-film, så er den fuldstændig forsvundet fraFinal Destination 5, der er lige så buldrende hul og tom som Grækenlands statskasse.

Læs resten af anmeldelsen på CinemaOnline: http://cinemaonline.dk/Anmeldelse/final_destination_5.6794.html

Eaten Alive (1977)

Eaten Alive
USA, 1977
Instr.: Tobe Hooper
Medv.: Robert Englund, Mel Ferrer, Nevile Brand m. fl.
91 min.

Tobe Hoopers video nasty Eaten Alive (1977) (ikke at forveksle med Umberto Lenzis træge kannibalsjasker af samme navn) er Psychos (1960) low-budget-grindhousebastard af en lillebror, et bizart og dystertmélange af frygt, mord og vold eller, som Tobe Hooper selv har kaldt den, et ”galskabens karneval”.

Plottet er ikkeeksisterende; en midaldrende fyr ved navn Judd (Neville Brand) driver det faldefærdige Starlight Hotel, som ligger i et sumpet område et eller andet sted i Louisiana. Judd har muligvis været udsat for svære krigstraumer, hvad der hentydes til i enkelt scene, hvor bl.a. et gennemhullet naziflag kan spottes på en stol, men uanset hvad årsagen så måtte være, så er Judd, ligesom Norman Bates, en splitterravende sindssyg psykopat, der bare ikke kan finde ud af at holde sine gæster i live. I modsætning til Norman, som er en mere stilfærdig gemyt, der ynder at bruge en stor køkkenkniv til at slukke lyset i sine gæsters øjne, så er Judd glad for en stor le, som han manisk, voldsomt og gnækkende svinger rundt og skærer i folk med for herefter at fodre de døende, blødende kroppe til en stor krokodille (heraf titlen), som svømmer rundt i en indhegning klos op ad hotellet. De forskellige mord, der begås i løbet af den aften filmen udspiller sig over, samt, selvfølgelig, Judds forventelige endeligt i munden på selvsamme krokodille er alt, hvad filmen har til formål at skildre. Handlingsmæssigt, og i bedste grindhousestil, sker der intet andet. Nul. Zip. Nada. Eaten Alive er således 91 minutters le-svingende psykopat med skrigende kvinder, lidt bare bryster og en frådende krokodille.

Læs hele anmeldelsen på CinemaOnline: http://cinemaonline.dk/Anmeldelse/eaten_alive.6778.html

Cut and Run (1985)

Inferno in Diretta
Italien, 1985
Instr.: Ruggero Deodato
Medv.: Michael Berryman, Richard Lynch m.fl.
85 min.

En stille og rolig dag et sted i Sydamerika. Dovent spankulerer et par bevæbnede vagter frem og tilbage mellem to overdækkede platformsstrukturer, der hviler på store pæle i en grumset flod. Under overdækkene, i ly for solen, arbejder en flok kokainsmuglere ivrigt med at pakke deres forbudte varer og gøre dem klar til videreforsendelse. Idyllen for dog snart ende, da en grim, skaldet fyr (Michael Berryman) pludselig springer op fra under vandet og kværker en tilfældig kokainarbejder, der har været så uheldig at bevæge sig et stykke væk fra de andre. Berryman giver herefter tegn til sine kumpaner, der ligesom ham gemmer sig under vandet, og inden nogen ved af det, er lejren løbet over ende. De uindbudne lægger hurtigt deres fingre på kokainen, som de sejler væk, alt i mens de morer sig kosteligt med at hugge hovederne af folk og fiksere en kvinde med lange træsplinter gennem arme og ben for derefter at voldtage hende i et par mere eller mindre udpenslede sekvenser.

Således starter Ruggero Deodatos Cut and Run (1985), der markerer instruktørens tilbagevenden til de himmelstrøg vi sidst så i hans berygtede Cannibal Holocaust (1980). Det geografiske sammenfald de to film i mellem er næppe tilfældigt, for med Cannibal Holocaust kom navnet Ruggero Deodato på alles læber, og Cut and Run lugter kraftigt af at være Deodatos forsøg på at cashe ind på Cannibal Holocaust (se note 1) og få lidt vind i sejlene efter de to film, han fulgte ”the mother of all cannibal movies” op med, The Last House on the Left-klonen The House on the Edge of the Park (1980) samt den forvirrende og ufrivilligt komiske The Raiders of Atlantis (1983), som måske ikke helt leverede det, et kannibalsultent filmpublikum gik og hungrede efter.

Cut and Run er dog ikke en kannibalfilm, men derimod klassisk firseraction næsten hele vejen igennem, selvom den både låner fra kannibalgenren som helhed og løfter flere elementer mere eller mindre direkte fra Cannibal Holocaust. Navnlig den del af historien, der omhandler en journalist, som sammen med sin kameramand rejser ind i Sydamerikas jungle for at lave en reportage, vil vække genklang hos Cannibal Holocaust-fans. Derudover har Deodato også inkorporeret en lille håndfuld dokumentarisk udseende sekvenser, som yderligere trækker klare referencer til Cannibal Holocaust, der, som bekendt, er spækket med disse. Noget som Deodato til gengæld ikke har taget med sig fra Cannibal Holocaust er de bestialske (og autentiske) dyredrab, et bizart element som kannibalgenren er notorisk berygtet for at lukrere på, hvilket han skal have tak for.

Som actionfilm fungerer Cut and Run dog kun nogenlunde. Historien omhandler, som sagt, en journalist, Fran Hudson (Lisa Blount), der flankeret af sin kameramand drager til Sydamerika for at opspore og interviewe en tidligere oberst ved navn Brian Horne (Richard Lynch), som står bag en stor del af den kokainhandel, der finder sted i Miami og giver rivaliserende narkobander en undskyldning for at nakke hinanden både der og i den sydamerikanske jungle. Som skæbnen vil det, er sønnen af Frans chef blandet ind i alt det her. Han bor i en snusket narkolejr i junglen, hvor han hjælper til med at sende Hornes stoffer ud til resten af verden, men han har fået kolde fødder og ønsker stikke af fra det hele, hjem til USA med pigen Ana (Valentina Forte) ved sin side.

Da det går op for Fran, at chefens søn har forbindelse til Brian Horne (som er en billig klon af Kurtz fra Apocalypse Now (1979)), ser hun en mulighed for at opspore begge, hvilket bossen selvfølgelig synes er en glimrende ide, da han gerne vil have sin søn tilbage. I Sydamerika indser Fran og kameramanden dog hurtigt, at de er vadet lige lukt ind i en hæsblæsende narkokrig, for knap nok har piloten sat flyet på jorden, inden han må lade livet med en forgiftet pusterørspil i halsen. Herefter opstår der kaos, da en flok blodtørstige indianere, som under kyndig vejledning af Michael Berryman, er ved at plyndre den nærliggende lejr for coke, overfalder flyet og sender Fran og kameramanden på flugt ud i mørket. Vel undsluppet en ond skæbne løber de snart efter på chefens søn og Ana, og gennem resten af filmen følger man deres kamp for at undslippe det grumme junglehelvede samt faderens forsøg på selv at redde sønnen med hjælp fra nogle lokale lejesvende.

Handlingen er generisk og ikke synderligt medrivende. Jeg så gerne, at Deodato havde skruet op for reportageplottet, som er interessant, og tilsvarende ned for fader-søn-delen, der i visse henseender får filmen til at krænge over i det melodramatiske. På den måde kunne Deodato have skabt en rendyrket actionudgave af Cannibal Holocaust, hvor det tematiske omdrejningspunkt netop også er journalistik, ved at indarbejde reportageelementet i handlingen på både bedre og dybere vis og gøre dette til filmens centrale element. Sagt på en anden måde, så kunne Cut and Run have været en virkelig fed actionfilm med et interessant og vedkommende plot a la Cannibal Holocaust, men Deodato valgte altså, desværre for os, at gå en anden vej og lave det, vi må tage til takke med i dag.

Heldigvis kompenseres der for den generiske og ligegyldige handling med et pumpende synthscore af Claudio Simonetti samt en god mængde blodige og nogenlunde veludførte scener med afhuggede hoveder, maveopsprætninger og sønderlemmede kroppe, som det sig hør og bør for en italiensk film fra firserne. Det er i disse sekvenser, at filmens styrke skal findes, og fans af italotrash vil kunne finde meget at glædes ved her. Uindviede skal dog passe på med Cut and Run, da de risikerer at brænde fingrene på en film, som de kun vil have alt for let ved at slynge gloser som ”åndssvag” og ”tåbelig” efter. Cut and Run bør derfor nydes alene eller med folk, der forstår at værdsætte det, der er at værdsætte ved film af denne type og som ikke rynker på næsen af et se en mandsperson blive revet over på tværs, så indvoldene vælter ud til alle sider (denne scene, filmens mest berygtede, blev i øvrigt kopieret af Lucio Fulci i dennes Demonia (1990), som helt klart er et kig værd).

Den her omtalte udgave af Cut and Run er Anchor Bays uklippede dvd-udgave (reg. 0) fra 2002 i anamorfisk widescreen (1.85:1), som vist nok er OOP. Billedet står pænt, og ekstramaterialet udgøres af en featurette (15 min.), filmens trailer og en tekstbio om Ruggero Deodato. På lydsiden er de originale engelske og italienske monospor tilgængelige. Hvad det engelske spor angår, så er enkelte scener præsenteret på italiensk med engelsk undertekster, hvilket skyldes, at de pågældende sekvenser har været klippet ud af samtlige engelsksprogede udgaver af filmen og derfor aldrig er blevet dubbet til engelsk (mange italienske film blev dubbet og synkroniseret i postproduktionen, hvorfor det var almindelig praksis ikke at optage med direkte lyd på sættet). Det generer dog ikke voldsomt, og problemet kan afhjælpes ved at vælge det italienske lydspor, hvis man ikke noget i mod at lytte til det. For en god ordens skyld bør det dog nævnes, at det vil give mest mening at se filmen med det engelske spor, eftersom langt størstedelen af skuespillerne er amerikanere eller briter og derfor har talt engelsk under produktionen.

Note 1:
Bemærk i denne sammenhæng billederne af plakat 1 og 2, der begge tydeligvis har været designet med henblik på at lokke så mange kannibalfilmsentusiaster i biografen som muligt dengang filmen kom ud. Specielt nr. 2 er et godt eksempel herpå, da den med ordene Amazonia: La Jungle Blanche (overs., ”Amazonas: Den hvide jungle”) og en tegning af en udspændt kvinde benytter både en oplagt kannibaltitel (se note 2) samt klassisk kannibalplakatæstetik (se plakat 3 og 4) til at lokke med. De kvikke vil derudover bemærke, at ordet ”Amazonia” er skrevet med samme font, som blev anvendt på div. Cannibal Holocaust-plakater (se nr. 5), hvilket selvfølgelig blot har været medvirkende til at få endnu flere sagesløse kannibalfans til at indløse billet.

Note 2:
Faktisk blev der i ’85, samme år som Cut and Run, udsendt en rendyrket italiensk kannibalfilm ved navn Schiave Bianche: Violenza in Amazzonia (overs., ”hvid slave: Vold i Amazonas”), som på fransk kom til at hedde Amazonia: L’esclave Blonde (overs., ”Amazonas: Den blonde slave”), to titler der ikke ligger langt fra ovennævnte Amazonia: La Jungle Blanche og som derfor fint illustrerer, hvorledes Cut and Run, i hvert fald i Frankrig, blev markedsført som en kannibalfilm uden på nogen måde at være det. Som en lille krølle på denne historie, og for at gøre forvirringen total, kan jeg her på falderebet fortælle, at Schiave Bianche: Violenza in Amazzonia blev markedsført under titlen Holocausto Caníbal 2, altså Cannibal Holocaust 2, i Spanien på trods af den er instrueret af en gut ved navn Mario Gariazzo og intet har med Deodatos Cannibal Holocaust at gøre.

 

Cut and Run (1985) - italiensk plakat m. orignal titel

1. Italiensk plakat med den originale titel.

Cut and Run (1985) - Frankrig

2. Fransk plakat. Læg mærke til fonten øverst samt den fikserede dame.

Deep River Savages aka. Man from Deep River (1972)

3. Plakat til Umberto Lenzis Deep River Savages aka. Man from Deep River (1972), filmen der grundlagde kannibalgenren.

Last Cannibal World (1977)

4. Dansk plakat til Last Cannibal World (1977), Ruggero Deodatos første kannibalfilm.

Cannibal Holocaust (1980)

5. Plakat til Cannibal Holocaust. Bemærk fonten, der er magen til den på plakat nr. 2.

My Son, My Son, What Have Ye Done (2009)

My Son, My Son, What Have Ye Done
USA, 2009
Instr.: Werner Herzog
Medv.: Udo Kier, Chloë Sevigny, Michael Shannon, Willem Dafoe
88 min.

Mit kendskab til den tyske instruktør Werner Herzog er ikke overvældende. Jeg har et bokssæt med hans Klaus Kinski-film stående samt dokumentaren Grizzly Man (2005), and that’s it. Noget jeg dog har bidt mærke i er, at Herzog synes at have en forkærlighed for skøre mennesker, hvilket bl.a. understreges af ovennævnte film, og derudover jeg har også altid opfattet Herzog selv som lidt af en skør kugle. Tag nu f.eks. filmen Fitzcarraldo (1982), hvor den eponyme hovedperson, spillet af Klaus Kinski, får en masse indianere til at trække en floddamper over et bjerg i Peru. I filmen trækkes der faktisk en floddamper over et bjerg, sådan for alvor, og selvom man sidder og tænker, at karakteren Fitzcarraldo da må være rablende gal, så må man ikke glemme, at det hele jo netop er iscenesat af Werner Herzog, og at det i virkeligheden erham, der får trukket floddamperen over bjerget. At Herzog og Kinski, der jo var pænt tosset i virkeligheden, derudover arbejdede så meget sammen som de gjorde, er vel også meget sigende. Lige børn leger som bekendt bedst. Derfor kom det heller ikke som den helt store overraskelse, at My Son, My Son, What Have Ye Done (2009), ligesom førnævnte Fitzcarraldo og især Aguirre der Zorn Gottes (1972), som jeg synes har visse ting til fælles med My Son…, omhandler en person, der er faret vild i galskabens mørke labyrint.

Hvad der derimod kom som lidt af en overraskelse var, at David Lynch har fungeret som executive producer på filmen. Det var dog en kærkommen overraskelse, og da jeg så hans navn på coveret, tænkte jeg umiddelbart, at han ville komplementere Herzog ret godt, hvilket heldigvis også viste sig at være tilfældet. Begge to har en ret afdæmpet stil, og selvom Herzog måske er mere afdæmpet end Lynch, og sidstnævnte i hvert fald helt sikkert er mere surrealistisk end førnævnte, så er kombinationen af Herzogs karakteristiske ro og Lynchs ligeså karakteristiske syrede inputs ret pirrende. Som helhed er My Son… dog typisk Herzog garneret med lidt Lynch hist og her.

Læs hele anmeldelsen på CinemaOnline: http://cinemaonline.dk/Anmeldelse/my_son__my_son__what_have_ye_done.3525.html

Godt AWE-tip

Til alle dem, der ikke selv har været så heldige at opdage det, så er det i denne tid muligt at finde en masse Another World Entertainment-udgivelser i Tiger til den nette sum af 20 kr. pr. stk.

I sidste uge købte jeg selv Toshiya Fujitas to Lady Snowblood-film (1973-74), Wasteland Tales, en kortfilmssamling, hvor det tematiske omdrejningspunkt er postapokalypse, samt Jack Hills blaxploitationbasker Coffy (1973) med Pam Grier.

I december købte jeg derudover Masaki Kobayashis Samurai Rebellion (1967) og Kiihachi Okamotos Samurai Assassin (1965), begge med Toshiro Mifune i hovedrollen.

Jeg mener, at Tiger også ligger inde med den fortrinlige og let syrede video nasty Shogun Assassin (1980), som er et “mashup”, for nu at bruge et godt dansk ord, af Lone Wolf and Cub: Sword of Vengeance (1972) og Lone Wolf and Cub: Baby Cart at the River Styx (1972), de to første indslag i den såkaldte Baby Cart-serie, der består af i alt seks film (syv, hvis man medregner Shogun Assassin).

Det britiske selskab Vipco, som var/er berygtet for deres sønderklippede panscan vhs-udgivelser, udsendte i starten af ’00′erne Shogun Assassin på dvd, som var den ene af de første to film, jeg nogensinde købte på dette medie (den anden var Lamberto Bavas anbefalelsesværdige Demons fra 1985). På trods af at være klasser bedre end deres vhs’er, var Vipcos dvd-udgivelse af Shogun Assassin dog ikke noget at skrive hjem om, og jeg har naturligvis valgt, for et godt stykke tid siden efterhånden, at udskifte den med AWE’s version, som udover at have et langt federe cover også er en digitalt restaureret, uklippet og officielt autoriseret widescreenudgave. Et valg, jeg på ingen måde fortryder!

Som lidt bonusinfo kan jeg yderligere fortælle, at Shogun Assassin for nyligt er blevet udsendt på Blu-ray af britiske Eureka, som bl.a. er kendt for deres Masters of Cinema-serie, men jeg har ikke planer om at opgradere foreløbigt, selvom jeg selvfølgelig foretrækker mine film på BD. Folk der endnu ikke har Shogun Assassin stående i samlingen, kan dog med fordel overveje BD-udgivelsen, som skulle være ret fornuftig.
Fælles for titlerne i AWE’s Samurai Cinema Collection, som tæller hhv. Shogun Assassin, de to Lady Snowblood-film samt de to Toshiro Mifune-film, er, at de udover at selvfølgelig at være gode, solide udgivelser rent billedmæssigt, byder på noget virkelig lækkert artwork begået af et selskab ved navn Ensue Media. Håber at AWE fortsætter samarbejdet med dem, og at de, i så fald, kan blive ved at holde standarden. Kæmpe ros herfra!

Af mere godt faldt jeg i Tiger også over det meste af, hvis ikke hele, AWE’s Andrei Tarkovsky-samling. Husker i hvert fald Ivans Barndom (1962), Solaris (1973), Vandringsmanden (1979) og Spejlet (1975). Derudover kan man også mæske sig i Pasolinis Matthæusevangeliet (1964) og Svinestien (1969), Francois Truffauts Bruden Var i Sort (1968), Manden der Elskede Kvinder (1977) og Den Falske Brud (1970) samt Vittorio de Sicas Cykeltyvene (1948), Miraklet i Milano (1951) og Umberto D. (1952).

Der er med andre ord ingen undskyldning for ikke at skynde sig ind i sin nærmeste Tiger og hamstre løs af de lækre AWE-titler allerede i dag!

Om CinemaOnline-teksterne

For en god ordens skyld bør jeg fortælle, at jeg ikke er i lommen på CinemaOnline, selvom det måske kunne virke sådan. Jeg modtager altså ikke penge eller andre materielle goder fra CinemaOnline for at linke til mine egne anmeldelser på deres side. Desværre forholder det sig dog også sådan, at jeg ikke må lægge anmeldelserne ud på her på siden i deres helhed, netop fordi at jeg oprindeligt har lavet dem til CinemaOnline.

Planen med indeværende blog har hele tiden været at producere indhold, der kun er tilgængeligt her på siden samt at linke til anmeldelser jeg har skrevet for andre sites som f.eks. CinemaOnline. Grundet travlhed har jeg dog været afskåret fra at lave nyt materiale til siden, hvorfor størstedelen af de tekster, der er tilgængelige p.t., indtil videre, er CinemaOnline-teksterne, som jeg havde liggende klar i gemmerne. For at sige det på en anden måde, så er CinemaOnline-teksterne publiceret her på siden i deres nuværende form på baggrund af en ”lidt er bedre end ingenting”-tanke.

Jeg beklager, hvis nogen har følt/føler sig snydt over at blive omdirigeret her fra siden til en anden for at læse en anmeldelse, især fordi man kunne foranlediges til at tro, at jeg tjener på det, men, som sagt, så er det på ingen måde tilfældet. Jeg vil forsøge at råde bod på det inden for den nærmeste fremtid ved, langt om længe, at komme i gang med Mondo Cane- og remake-projekterne. Indtil da kan I hygge jer lidt med min anmeldelse af stinkeren The Contract.

Håber I bliver hængende!

Slocinski

The Contract (2006)

The Contract
USA, 2006
Instr.: Bruce Beresford
Medv.: John Cusack, Morgan Freeman, Jamie Anderson m.fl.
96 min.

Engang imellem er man så heldig at falde over en lille, ukendt filmisk perle, der formår at slå benene fuldstændigt væk under en.  Desværre er dette ikke tilfældet med The Contract, en lille straight-to-video-sag, som jeg intet havde hørt om, før jeg satte den i afspilleren. Nu har jeg så set den, og, ja… må den ”oplevelse” hurtigt fortabe sig glemslens lyksalige tåger.

I filmens indledende sekvenser ser vi, hvordan lejemorderen Frank Carden (eller Frank Cordell som der fejlagtigt står bag på coveret), i skikkelse af Morgan Freeman, bliver involveret i et biluheld og vågner op i håndjern i en hospitalsseng. Hans identitet er blevet afsløret, og det besluttes, at han skal fragtes til Washington, D.C. På vejen forsøger hans bande naturligvis at redde ham i en aktion, der ikke forløber helt som planlagt: Bilen med Carden falder nemlig ned af et bjerg og ender i en flod.

Kort forinden har Ray Keene og hans søn, som spilles af hhv. John Cusack og det ubeskrevne blad Jamie Anderson, besluttet sig for at tage på en far-søn tur i det fri for at genfinde hinanden i kølvandet på konens/moderens død to år tidligere. Allerede her burde kliche-alarmklokkerne så småt begynde at ringe. Som skæbnen nu vil det, løber de ind i Carden, der ligger og roder rundt i håndjern i en flod ved siden af en døende U.S. Marshal. Sidstnævnte når lige at fortælle Keene, hvad der er sket, inden han udånder, og den retskafne Keene beslutter sig hurtigt for at bringe Carden tilbage ordensmagten. Dette bliver startskuddet til en meget lidt interessant tur gennem skov og krat, hvor trekløveret jages mere eller mindre indædt af Cardens slæng. Dette er historien i en nøddeskal.

Filmen lider imidlertid under et kæmpe problem som er, at den trussel, der forsøges manet frem, og hvis altoverskyggende formål er at drive spændingen, aldrig rigtig bliver virkelig: Man frygter på intet tidspunkt for faderens og sønnens liv, hvilket skyldes to ting: 1) At Cardens slæng er noget nær den mindst frygtindgydende bande pistoleros, jeg nogensinde er stødt på i en film, og 2) at persongalleriet simpelthen er for lille til, at Cusacks og Andersons karakterer kan dø. Det sidste er man som seer udmærket klar over, hvilket får filmens dvaske forsøg på at presse spændingskurven opad, bl.a. ved inddrage et ekskærestepar, der også er på tur i skoven (hvoraf fyren tydeligvis KUN er med for at blive slået ihjel, når nu hverken Keene eller sønnen kan blive det), til at mislykkes totalt.

Flettet ind i alt dette er et sideplot omhandlende en eller anden kontrakt på et mord, som Carden er opsat på at fuldføre. Det er dog totalt irrelevant, for den sande kerne i filmen, det som jagten gennem skoven danner rammen om, er det ”bånd”, hvis man da kan kalde det det, der skabes mellem Keene og Carden og som munder ud i et møde mellem de to hen mod filmens slutning. Desværre er man på ingen måde kommet under huden på dem på deres tur gennem skoven, og derfor er man også totalt ligeglad med dem som karakterer, hvorfor mødet fremstår både absurd og aldeles uinteressant.

Der er, med andre ord, absolut intet at komme efter i denne dødbidder af en film. Billedsiden er kedelig og farveløs, på trods af at filmen er skudt i naturområde, der ellers lader til at være meget smukt. Dialogen er ringe, og gennemtærskede filmklicheer, såsom manglende mobilforbindelse, når man har mest brug for det og en litterær bad guy, der selvfølgelig gemmer på en eller anden form for menneskelighed inderst inde (Carden), vælter ind over seeren i kaskader. Læg dertil et utal af tåbelige sekvenser, og du har opskriften på en katastrofe.

Det forvirrer mig, at film som denne produceres, men det forvirrer mig endnu mere, at ellers udmærkede skuespillere som John Cusack og Morgan Freeman gider tage del i et projekt af denne lave kaliber, hvis ikke det skyldes forvisningen om en stor sjat penge (hvilket det nu nok gør). Jeg er ked af at have set denne film, og den får min varmeste ikke-anbefaling; du bør gå langt uden om The Contract!

Er du på udkig efter en interessant, og ikke mindst god film, der blander spænding, action og natur, så se Deliverance (1972), Southern Comfort (1981) eller First Blood (1982) i stedet.

Mask Maker (2011)

Maskerade
USA, 2011
Instr.: Griff Hurst
Medv.: Michael Berryman, Treat Williams m.fl.
90 min.

Instruktør Griff Furst, der bl.a har rip off-vittighederne I am Omega (2007), Universal Soldiers (2007) og 100 Million BC (2008) på CV’et, er glad for slasherfilm. Meget glad endda. Specielt for Friday the 13th og The Texas Chain Saw Massacre-filmene. Faktisk er han så glad for slasherfilm, at han en dag satte sig ned med en ven for at udtænke en idé til det, der senere skulle blive Maskerade eller Mask Maker, som den hedder på dansk – Fursts helt eget bidrag til genren.

Læs hele anmeldelsen på CinemaOnline: http://cinemaonline.dk/Anmeldelse/mask_maker.342.html

Nyt fra “redaktionen”

Der har været lidt stille på siden det sidste stykke tid. Det skyldes ikke manglende lyst, men udelukkende, at jeg har ret travlt. Derfor har færdiggørelsen af mondo-temaet m.m. desværre også lange udsigter. Det vil blive færdigt på et tidspunkt, men det bliver nok først en gang næste år. I mellemtiden vil jeg prøve at smide et par kortere anmeldelser af diverse, synes jeg i hvert fald selv, interessante film op fra tid til anden Med andre ord: Kig forbi af og til, men forvent ikke supermeget aktivitet det næste stykke tid.

Andreas